フィルム事情２０２５

 　ここ数年、フィルムはずっと値上がり傾向にある。出費が嵩むのは痛いが、僕はそれほど苦しんでいない。ここ数年愛用しているのは、チェコ製のフォマパン２００なんだけど、撮影からネガ現像までに必要な費用は次のとおりとなる。

１３５　36枚撮り１本（100ｆｔフィルム）　     　 　500円

      現像液、定着液等１本あたり　　　　　　　30円

　　　　年間使用本数　　　　　　　　　　　　　　20本

　　　　年間費用　　　（500＋30）20　　　　10，600円・・・①

１２０　１本　　　　　　　　　　　　　　　　　　800円

　　　　現像液、定着液等１本あたり　　　　　　　  30円

　　　　年間使用本数　　　　　　　　　　　　  　　８本

                年間費用　　　（800＋30）8　　　    　6，640円・・・②

４５　　１枚　　　　　　　　　　　　　　　　　   180円

　　　　現像液、定着液　　　　　　　　　　　　　20円

　　　　年間使用枚数　　　　　　　　　　　　　　50枚

                年間費用　　　（180＋20）50　　   　10，000円・・・③

          ①＋②＋③＝27，240円（年間）　÷　12月　＝　2，270円　

　フィルム代と現像代で、一ヶ月2，000円ちょっと。しかも、これは写真活動をそこそこ活発に行った場合である。２０年くらい前は、もっと良いフィルムを使ってもこの半額くらいだった。その頃に比べると確かに高い。1,000円も高くなっている！😓

　上記の単価は現在の国内市場単価よりも若干安めだが、個人輸入や国内サイトでセール期間を利用したり、薬剤は写真用にこだわらず、食品用、工業用等から探して調達している。写真用でも洗濯用でも炭酸ソーダは炭酸ソーダなのでそれなら洗濯用の方が安価である。

　ただ、これはあくまでもフィルムからネガを作るまでの費用なので、ここからどうするかは、これを読んでいるあなた次第である。

①　ネガをライトボックスに置き、スマホやデジカメでデュープして反転すれば、ほぼ費用はかからない。（スマホかデジカメを持っていない人は、、、いないよね？）フィルムホルダー付のライトボックスがない場合は、中華通販で安く買いましょう。三千円もしないと思う。

②　クリエイティブなことをしたいのであれば、スキャナで読み込んでフォトショップ等でレタッチしてもいい。これは、スキャナや、レタッチソフトの費用がかかる。

　①②の場合、最初からデジカメを使えばいいじゃん、という意見もあるが、プロセスを楽しみたいのだから、そういうわけにはいかないのである。

　①の手法は手軽で楽しそう。暗室が持てなくなったら、僕もやるかも。

③　僕の場合、ネガを作ったら、暗室で引き伸ばしをしているので、現像薬品や印画紙費用がかかるが、これも２０年くらい前に比べると倍くらいにはなっている気がする。１作品作るのに、印画紙を何枚使うかは、その時々で違うし、印画紙サイズや銘柄によっても価格は変わる。これは、デジタルでプリントする時も、紙については銘柄によって費用がまちまちなので、銀塩だから高いとは言えない。ただ今の時代、暗室用品一式を揃えるのは、写真量販店に行けば一式揃うというわけにはいかなくなっているので、なかなか厳しい。暗室作業の流れは難しいものではないのだけど、いくら簡単だと言っても体験してみるまでは実感として分からないとは思う。

　古くても満足できるカメラとレンズ２本を３万円くらいで買って、身の回りの物を撮影し、白黒フィルムを自家現像してデュープして楽しむ。これが安価で豊かな写真ライフなのかもしれない。

　映画「PERFECT DAYS」の主人公の平山は古いコンパクトカメラにネガカラーフィルムを詰めて写真屋さんで同時プリントして、生活の中でアートを楽しんでいた。ささやか過ぎる生活だが、そんな中にも心の機微は存在する。

湖岸の木陰

 

　７月の終わりにライカM-Aが手元に届いたが、あまりにも暑い日が続くので撮影に出かけることが出来ずにいた。毎晩寝る前に、M-Aを防湿庫から取り出して、ファインダーを覗き空シャッターを数回切り、また防湿庫へ戻して安心するという日々を繰り返していた。

　しばらく雨の日が続いた後、立秋が過ぎた。天気予報の予想気温はまだまだ高く、日々、最高気温の記録更新のニュースが流れている。それでも観測数値とはうらはらに空気の質は秋に近づいているのを感じる。

　そんな夏の午後、琵琶湖の浜辺で過ごそうと思い、M-Aを買ったときに付属していた使用期限が今月までのコダックのTri-Xを装填し、海津に向かった。かつて愛用していたフィルムだが、価格が高騰し、とても買えるものではなくなってしまった。かなり贅沢な気分でこの日は撮影に臨んだ。いつもはISO１００設定のフィルムを使っているので、露出計の設定をISO２００（減感）に設定した。

　漁港から琵琶湖を左側に眺めながら、浜辺を歩く。琵琶湖岸は場所によって、葦が繁っていたり岩礁地帯であったり様々な様相を呈している。ここは、かつての宿場町で、民家の庭と浜辺との境界が曖昧だ。生活空間と琵琶湖が接近しているため、浜辺がほどよく管理されており、とても心地が良い。

　そして、ここの浜辺の光は独特でとてもいい。湖面に反射した光が広葉樹の木陰を通過する際、浜辺の白茶色の砂に当たり拡散されつつ、民家の壁に到達する。光が変化しながら湖面から民家まで移動する、程よい距離がこの浜辺には存在する。

　木陰が心地よいせいか、昼寝している人がいた。

　しばらく浜辺を歩き進むと松林になり、あたりは松脂の香りで包まれるようになる。広葉樹とは違う形の木陰を落とし、民家もなくなるので、先ほどの光の空間はここにはない。

　いくつかの、飛び越えることができるくらいのサイズの小川の河口を越えてさらに歩くと、湖水浴客で賑わう高木浜、知内浜へ行き着くが、ここはもう静けさとは無縁の別世界である。（よくもわるくも）

　いくつかの木陰を繋ぐように、行きつ戻りつ撮影を進めていく。撮影中は、視覚以外の情報は脳に入ってこないが、カメラを下ろすと、ヒグラシやツクツクボーシの鳴き声が聞こえてきたり、歩みを進める足元の草むらからは、バッタが飛び出してくる。これから咲きそうな蕾を蓄えたユリも生えている。秋の気配をそこかしこに感じる。

　たまに吹く風は、吹く度に温度や湿度や匂いが違っている。山から降りてくる風、町屋を通り抜ける風、林間を吹き抜ける風、それぞれの場所でその場の成分を空気が含みこむのだろう。

　二時間ほど歩き、漁港のあたりに戻ったときには夕方近くになっていた。射光線の状態だと木陰の位置は早く移動していく。それでも、昼寝している人は相変わらず移動した木陰の下で眠り続けている。

　光が弱くなってくると、砂浜の照り返しが弱くなり、日中は見えなかったものが見えてくる。あたりには、二枚貝や巻貝の貝殻、鳥（鳩くらい）の卵の殻、魚か鳥の風化した骨が落ちている。そんな浜辺を、二匹の猫が走り抜けていく。

　ここは、人の生活と自然が調和した心地よい場所。

　この日、M-Aに詰めたフィルムは全て取り終えた。だって、カメラの中にフィルムが入ったままだと、寝る前の楽しみがなくなるでしょ？

　

答えに辿り着けないときは、別の道を歩けばいい

何で写真をやっているのか？

何でフィルムカメラを使うのか？

何でモノクロームなのか？

　個展を開催する間に、この命題については自分なりに解決しておかなければならないと思ったが、結局満足のいく答えには至らなかった。こういった根源的な問に実存的に答えるのはとても困難だ。というより、そんなものは存在しないと、最近悟った。

　元々、自分の中には何か写真に対する根源的な欲求が潜んでいて、様々な経験によりそれが顕在化していくものであり、根源的な欲求とは何かという問いの答えを探し続けていた。でも、見つからなかった。

　写真に携わることの楽しさや機材のおもしろさ、モノクローム写真の美しさについては、それぞれ答えることはできる。でも、それって、経験してみたから分かることであって、写真を始める前から分かっていたことではない。

　それでも、問われたときは、それなりに経験してきたことを答えてしまってきたが、返答する度に別のことを言っている気がする。←なぜなのかは後述する。

　最近、いろいろな本を読んで、気づいたことではあるが、自分の自由意思で、行動を決定しているわけではないという考え方がある。もちろん、誰かに強制されて写真をやっているわけではなく、主体的にやっているわけではあるが、それは、自分が生きてきた時代や場所、産業技術や、思想、生活環境、人間関係、等々の複合的かつ多元的要因から影響を受け、たまたまやっているのに過ぎないのである。たまたまって、無責任で思考停止に陥った感が拭えないが、どんなことでもそうだと思う。

　「自由」というのは、何ものにも左右されない状態であるが、人は常に何かに影響されて生きているにも関わらず、自由意志で行動していると勘違いしていることに気づかず答えを導き出そうとしているから答えが見つからない。スピノザの自由意志に関する考え方や構造主義の考え方を知った時、そう思った。

　自由意志があるのではなく、そこに流れ着いた自分がいるだけと言ってもいい。「流れ」については時代背景や生活環境等の側面から、また、流れ着いた場所に留まっている（写真趣味を継続している）理由については経験的側面から説明可能である。

　何で返答する度に別のことを言ってしまうのかというと、それは時間を経るごとに自分は変わっていくからである。

　例えば、１９９０年の自分は、１９９０年で固定されているから、その後、いつその当時のことを振り返っても過去は変わらないので同じはずである。というのは、観念的な見地からは違うと思う。

　なぜなら、１９９０年の自分を振り返るとき、２０１０年の自分が振り返るのと２０２５年の自分が振り返るのとでは、それを眺める時間的距離が違うと見えてくるものも違ってくる。写真だって、撮影距離が違うと、その意味合いが違ってくるのでそれは同じ事ではないだろうか。

　経験を積み重ねることで気付くことはある。自分にとって写真は、世界を知るために潜る門の一つであり、主客未分の純粋体験は精神的な救いでもある。

　世界を知るためには、どこの門（分野：例えば音楽でも工芸でも数学でもいい）から入っても進んでいくうちに、歴史、哲学、工学、化学等様々なものと出会うことになる。出会う度に自分と融合し、新たな自分が形作られていく。

ホットシューカバー

　ホットーシューカバー、正直言ってこんなものは、ただのお洒落アイテムだと思っていた。でも、いろいろ調べていると、エッジで怪我をしないため。接点を保護するため。髪が挟まって抜けるのを防ぐため。と、その効果が書かれている。

　今まで気付かなったが、改めてホットシューの角ばったところに触ってみると確かに尖がっていて、これで引っ掻いたら怪我しそうな気がする。でも、こんな場所で引っ掻いて怪我するってあり得ない気がするんだけど。それよりもバッグにカメラを収納しているとき、他の物に傷が付きそう。キヤノンのホットシューはこんなに尖っていない。

　接点を保護するためというのは、納得は出来る。僕の場合、ここにフラッシュを付けて撮ることはないので、塞いだままでもいい。

　髪が挟まって抜けるなんてことはあるの？もし、そうなったら、髪が抜けるよりも、びっくりしてカメラを落としてしまう方が怖い。この歳だから、髪もかなり大事なんだけど💦

　いろいろ効果があるのは理解した。しかし、めったに発生しない事象の予防策としてのアイテムという感が拭えない。どう考えても、世間的にはお洒落アイテムで使っている人の方が多いような気がする。しかし、いい歳をしたおじさんなので、ホットシューからパンダが生えているようなそんなカメラは使いたくない。

　お洒落アイテムとしてのホットシューカバーではないので、実用的なものを選ぶということになるが、「こんな板一枚のもの」にライカ純正は高過ぎる。だからと言ってあまりにもチープ感満載なものも憚られる。

　ということで、AliExpressで適当なものを見つけたので結果的にはここで６５０円で買った。ライカ純正の十分の一で買えた。値段的には十分満足。ただ、購入したサイトがアリエクである。届いてみるまで油断してはいけない。いや、届いた後もそう簡単には油断できない。まったく違うものが送られてきたり、金属っぽい樹脂製品だったり、工作精度が悪くバリだらけで、指を怪我したりカメラが傷ついたり、ゆるくてすぐに外れて紛失したり、あるいはその逆で装着したらそのまま外れなくなったり。。。。と、あらゆる想定をしておかなければならないのだ。（ある意味、その恐怖を回避するために、純正を買っておいた方がいいのかもしれない）

　　

　おそるおそる装着してみたところ、何の問題もなかった。

　６５０円のわりにはきちんと工作されていてピッタリとはめ込むことが出来たし、ちゃんと取り外すことも出来る。念のため、２時間後、４時間後に取り外してみたけど、それも問題ない。ということで、一件落着。

　ここで、海外ECサイトについて、僕の考えを少し書いておこう。AliExpressやTEMU等、中国のECサイトは、ちまたではかなり怪しげな噂が流れている。真偽は分からないが、カード情報が抜き取られる危険があるとか。でも、クレジットカードが使える会社であるということは、審査を通過しているため、そこは心配しなくてもいいと思う。そもそも、実際にアリエクやTEMUを使っている人から被害情報は聞いたことがないし。間違った情報で安く買う機会を逃すのは大きな損失だ。

　

　先日、ネックスピーカーを買い替えるために、アマゾンで調べてからTEMUを見てみたら、どう見ても同じ機器でブランドだけ違うものが２割ほど安い値段で販売されていたので、TEMUで買った。同じ工場（と思う）で生産され、別ブランドで販売されているものを中国製ではよく見るからそれだと思った。結果的にTEMUで購入したが予想通りで問題はなかった。

　今回のような買い物以外にも、印画紙やフィルム、写真薬品等、海外通販をたまに使うが届かないというトラブルは一度もない。海外通販で買う理由は、国内量販店よりも安く買えるからということもあるが、そもそも国内では入手できないからという理由もある。

　本来、個人で少量を輸入するよりも、代理店が大量に輸入し、国内で販売する方が安くなるんじゃないかと思うのだが、そうならないのは、どこかでうまくいっていない部分があるのだろう。そのことから考えると中外写真薬品のSILVERCHROMEは、納得のいく値付けとなっている気がする。これは生産国がEUのもの。多分、中身はあの印画紙だと思う。UK製じゃないよ。

　とまあ、話は少し逸れたが、アリエクは暗室用品も入手出来るし、警戒しながら使えば問題ないと思う。明らかに、世の中の一般的価値からずれている価格設定のものは、そもそもが怪しいので、そういうのを見抜くことが出来る目は持たないといけない。買い物も勉強である。

　

　

色彩論

ニュートン（1643-1727）の光学（1704）

万有引力の発見で有名なニュートンは、太陽光をプリズムに当てると、赤、橙、黄、緑、青、藍、紫の七色に分光することを（も）発見した人である。

ここで興味深いのは、色を7段階にしたのは、１オクターブの音階に合わせて7色にしたことだ。実際のところ、赤から紫まではなだらかに変化していくため、何色にでも定義付けることが出来たと思われるが、科学分野にも芸術の影響があったということである。

橙と藍に関しては変化する幅が狭いため、ミ、ファ及びシ、ドの間の音階は半音の差であることに一致している。ちなみに、白色光は単色光の混合色である。物体の色というのは、発せられた光が物体で吸収されなかった色が反射したときの光の色となる。

 少年時代にピアニストを目指していたアンセル・アダムスは、諧調を１１に分割するゾーンシステムを生んだが、やはり音階との関係も経験的に何かあったのだろう。一見、無関係のものからインスピレーションを得て、何かの発見に至ることはしばしばある。ニュートンのりんごも然りである。

「異質にみえる諸関係が相互に接近させられ、それらが一つに結び合わされたから・・・」

と、ゲーテの「科学方法論」の中にも記述がある。

 

ゲーテ（1749-1832）の色彩論（1810）

 

　文学者で有名なドイツのゲーテだが、この時代の偉大な人たちは、いろいろなことをやってのけていたようだ。ゲーテもニュートンも政治家としての側面もあった。このゲーテの色彩論、僕にとっては内容が難しく、目で文字を追っているだけで、頭の中にどれほど入っているか分からない。

 ゲーテの色彩論、最初のうち読んでいるとニュートンの光学の批判が随所に出て来る。ニュートンは17世紀の物理学から光を考察したので、人間が見たときの光や色や、視覚異常がある人が見た光や色についてのアプローチをしなかったのは当たり前なのかもしれない。そこまで批判するのは酷なような気がもする。ゲーテは文学者故に、人の生理的視覚からアプローチが出来たのであろう。

　この色彩論の中では、光に最も近い色は黄色、闇に最も近いのは青となっている。青と黄色の先には、ゲーテの色彩環では、一方の頂点が緑、もう一方の頂点は赤になっている。

　僕はモノクローム専門で、カラーは扱わないが、カラー暗室をやる人には、これは違和感があるのではないだろうか？青（C）と黄色（Y）からは、赤は作れない。

　しかしながら、闇に近い色は青、光に近い色は黄色というのは、日常生活では経験的に至極納得できるのではないだろうか。ゲーテは、闇にも色が含まれているという。この辺りはいかにも文学者的な考察だと思う。

　絵本やアニメでは、夜は青っぽく描かれているし、光線兵器の色は黄色を含んでいることが多い。もしかして、ゲーテの色彩論を、みんな知っているのかな？

　ゲーテは、生理的色彩の章の中で、「青は黄色を要求する」と、補色残像についても言及している。これは、強い青を見続けた後、白いものを見ると黄色っぽく見えると言うものである。もしかして、ゴッホ（1853-1890）は、南仏の青い空を見続けたあまり、黄色の空を見たのかもしれない。

  

うたろう（1969―20😕?）の色彩論（2025）

 　僕は光学と化学によるモノクローム写真に携わっているので、その経験から色彩について自分自身の悟性により次のように結論づけている。どの門戸から入り、事物を観察したかによって認識は大きく左右されるが、自分が叩いた門はモノクローム写真である。　

前提として濃淡と色彩は合わせて考える。モノクローム写真は、最終的には単色の濃淡で印画紙上に現れる。色彩は、その表現過程で利用するのみだからである。

 　まず、完全なる白と黒は色ではないと考える。

どんな色の物体も、完全な闇の中に存在すれば肉眼では闇に紛れ区別出来ない。撮影してもフィルムには記録されないし、印画紙上には諧調のない完全な黒として再現される。

物体に強烈な光（この場合は混合色の光）を当てると、まぶしくて見れなくなり、どんな色の物体も白く見える。撮影するとフィルムには乳剤が最も厚く残り、印画紙上には純白として再現され記録されない。つまり印画紙のベースのままの色となり表現上の空白部分となり最も忌避すべき部分となる。

この二つの理由により、光の強弱もしくは有無によりどんな色の物体も白と黒に飽和していくため、完全なる白や黒は、光か闇かのどちらかである。光や闇を色とは言わない。

闇はフィルムに記録されないし、光は印画紙に記録されない。記録されないものを撮っても無意味であるため撮影対象にはしない。したがって、どれくらい暗ければ闇になるのか、どれくらい明るければ純白になるのかは、自己の記録再現幅を知る必要がある。

 肉眼で見て、白あるいは黒と認識しているものは、完全な白（光）や黒（闇）ではない。それらはフィルムに再現可能な近似な白、もしくは黒である。詳細に観察していくと、肉眼で認識する白や黒は、その周囲との対比によって存在する。

モノクローム写真において、色彩に注意すべきことは撮影時のコントラスト調整に色彩が利用可能なことである。例えば、青い空を濃いグレーで表現したい場合は、黄、橙、赤のフィルターを用いる。真っ赤な紅葉を白く表現したい場合は、赤いフィルターを装着すれば紅葉が白くなる。

 うたろう色彩論は、以上となる。これだけ分かっていれば色彩について僕の人生は困ることはない。

「青は黄を要求する」

青い風景に黄色が存在すると目が落ち着くような気がする。

写真コンテストについて

　 従来から各地で開催されてきた写真コンテストだが、昨今はSNSにハッシュタグを付けて投稿する参加形式も増えている。

　僕は多作な性分ではないため、納得のいく作品ができた時だけ参加している。コンテストは、その主旨や審査員の指向、時代性など様々な要因によって入選が決まる。つまり作品評価の基準はコンテストの数だけ存在すると言えるだろう。応募数の多いコンテストでは、同じ審査員が同じ日に再び審査しても結果が変わる可能性がある。それほどこの評価基準は不安定なものだ。評価基準を完全に明文化することも困難であり、審査員は客観性を意識しながらも、最終的には自己の主観の中で判断せざるを得ない。

　しかし、コンテストとはそういうものなのだ。落選を機に写真を諦め、コンテスト自体を嫌悪する人を多く見てきた。一方で、コンテスト対策が自身の表現方法と化してしまった人もいる。どちらも、コンテストという枠組みに心を囚われた状態だと僕は考えている。

　創作において、外部の基準に囚われることは本質的ではない。自分は自分の作品を作ればよい。人間は様々なものを吸収しながら成長し変化するが、その変化はコンテストという場における不安定な外的要因によってではなく、自らの内側から生まれるべきものだ。評価基準は常に流動的であるため、続けていれば自分に合う場所が見つかるかもしれないし、見つからないかもしれない。

　また、コンテストだけが作品発表の唯一の手段ではない。コンテストには適さなくとも優れた作品は存在するし、そもそも広く発表する必要のない創作の形もある。

　最近、時間をかけて丹念に作り上げた作品がコンテストで落選した。確かに残念ではあるが、だからといってコンテスト向けの作品を作ろうとは思わない。自分の心に響かないものを作ることはできないし、そうした作品を応募して再び落選したら、さらに虚しさを感じるだけだろう。（でも、入選したら嬉しいかも。）

　僕は来年も、不確実な評価基準と自分自身の内的成長という二つの変数が交わる瞬間を楽しみに、自分の信じる作品を出品していきたい。

渡部さとるさんの美術史講座

 　

　２０２４年８月から、写真家の渡部さとるさんの美術史講座をオンライン受講している。渡部さんのことを初めて知ったのは、２００３年に刊行された、今はなきエイ出版の「旅するカメラ」を読んだときからだ。このエイ文庫、写真だけではなくいろんな趣味のものがあってすごく良かったんだけど、なくなちゃったのは惜しいね。「旅するカメラ」はその後、同文庫から４巻まで刊行され、毎回楽しみにしていた。バリを始めとするアジアの島へ行ったのも、この本の影響による。

　何か自分の好きな物事が出来たら、その歴史について知りたくなる。これまで趣味としてきた、バイク、カメラ、自転車、カヤック、いつの時代にどこの国でどんな発展を遂げてきたのか、どれも興味があった。

　たまたま、Youtubeを見ていたところ、渡部さとるさんの２B Channelにたどり着いた。おおよそ週一くらいで更新される番組の中で、写真集の解説や表現について、毎回ゲストを交えて語られる。

　写真の歴史や写真が絵画に与えた影響については、僕もおぼろげながら知っていた。しかし、それ以外のことは詳しくは知らなかった。ましてや現代美術はまったく意味不明なものだと思い理解しようとさえ思っていなかった。しかし、この講座を受けてみて、文明発祥から、宗教、哲学、戦争、産業革命等、歴史的なイベントは美術に常に影響を与えてきたことを知った。

　僕は第９期美術史講座、写真史講座、そして現在、第１０期美術史講座を受講しているが、９期と１０期は内容が少し変えてあって、興味深い。

　僕は今期で卒業するが、この講座を受けて、自分の作品に影響があったのは確かである。少なくとも、現代美術について少しは理解出来たような気がするし、哲学の本をよく読むようになった。１回や２回、講座を受けただけでは分からないしすぐに忘れてしまうので、折を見てこの講座を見返そうと思っている。